El discurso del rey, de Tom Hooper

Corría el año 1994 cuando un desconocido Nicholas Hytner dirigió la que a la postre se convertiría en su mejor película: "La locura del rey Jorge". Quizá muchos no la conozcais porque pasó sin pena ni gloria por las salas comerciales, pero es una de las películas británicas más sarcásticas, mordaces y conseguidas de las dos últimas décadas. Sin embargo pasó totalmente desapercibida. Doce años más tarde Stephen Frears volvería a ahondar en las entrañas de la realeza británica con "The Queen", correcta película que se sustenta en la actuación de la actriz protagonista: Helen Mirren. Pues bien, "El discurso del rey" no me parece ni más ni menos que eso, una película correcta cuyo principal reclamo es la actuación de su genio interpretativo, Colin Firth en este caso.

"El discurso del rey" narra los acontecimientos que provoca la abdicación de Eduardo VIII en favor de su tartamudo hermano Jorge VI. En realidad lo narrado no va más allá de una anécdota histórica: el rey tartamudo contrata a un especialista del habla con cuya ayuda consigue salir más o menos del paso el día de su coronación y gracias al cual consigue ejecutar uno de los mayores retos de su vida: dar un discurso completo el día que Inglaterra le declara la guerra a Alemania. El milagro es conseguir que la anécdota, el aparente nimio detalle de una tartamudez en tiempos de guerra, apasione en cierta manera -recordemos que a su lado alguien está renunciando al trono de Inglaterra por amor-.

A pesar de ello, la película de Hooper tiene muchos "peros", y para mí tanto "El cisne negro" como "La red social" (esta en menor medida) son mejores películas y, por lo tanto, deberían de haber superado a la británica en la gala de los Oscar. Pero claro, la academia de los Oscar está ampliamente politizada y el voto parece ser como la compra de acciones en la bolsa, se tambalea en auténticos vaivenes masificados. Así acabó con, a excepción del de mejor actriz que se lo llevó la Portman, los cuatro premios más importantes, quedando a tan sólo uno de conseguir lo que sólo han podido hacer tres grandiosos films: Sucedió una noche (1934), Alguien voló sobre el nido del cuco (1975) y El silencio de los corderos (1991).

Demasiado premio los 4 galardones de The King's Speech para tan poca profundidas histórica y de personajes. Yo hubiera seguido más la línea de los Bafta y los Globos de Oro, elogiando sobre todo la importancia del actor principal. Una vez más al contrario que Frears, Hooper desaprovecha el fascinante contexto político en el que se desarrolla su relato y traduce las intervenciones de Winston Churchill (Timothy Spall) o del Primer Ministro Stanley Baldwin (Anthony Andrews) en cameos meramente circunstanciales. Como dice Jordi Revert en LaButaca.net, "Hooper es incapaz de superar una dirección plana, visualmente impoluta pero carente de profundidad, limitada en la repetición de estructuras —la trama alterna indefectiblemente encuentros y desencuentros entre el rey y el logopeda— y cuyos mayores atrevimientos pasan por planos selectivamente enfáticos o por subrayar, banda sonora mediante, dramas monárquicos que con frecuencia adoptan visos de soap opera televisiva."

En un principio el actor pensado para el papel fue Paul Bettany pero fue descartado, con mucho acierto por lo que parece. La Reina Isabell II disfrutó un pase privado y, según el diario The Sun, se mostró encantada con la interpretación que hicieron de su difunto padre. Demasiado aplauso para una película que no deja de ser un impoluto retrato de un pequeño inconveniente que puede hacer zozobrar todo un país en tiempos convulsos, pero que se inhibe en profundizar en los personajes y en el contexto histórico dejándonos un producto descafeinado. (2+)





Como complemento aquí tenéis el documental de Documentos TV "El auténtico discurso del rey".

A través de sus icónicas intervenciones públicas, El auténtico discurso del Rey reconstruye el 'viaje' de Jorge VI para encontrarse con su voz y dirigir su nación. El relato cuenta con el soporte de un impresionante archivo histórico y reúne a algunos de los pacientes de Logue, tratados al mismo tiempo que el Rey, que revelan los métodos que empleaba y que hasta hoy día hacen que muchos se pregunten cómo un profesor australiano, aficionado al teatro, pudo convertirse en el logopeda del Rey de Inglaterra.

Los mundos de Coraline, de Henry Selick

Hablar de Henry Selick es, por encima de todo, hablar de animación, y de la buena. En 1993 un maravilloso cuento gótico navideño producido por Tim Burton lanzó a la fama a este espigado estadounidense. Sí, "Pesadilla antes de Navidad" fue una de las mayores fantasías visuales del cine sin lugar a dudas, y también fue una película en la que la estética burtoniana predominaba por encima de todo impregnando de magia el ambiente. Dieciséis años después, en el año 2009, y tras varios trabajos poco destacables, Selick se la juega sin Burton y consigue entregarnos otro cuento aún más bello y aún más siniestro, pero igual de impresionante.

Hay que aplaudir a rabiar la labor de Henry Selick, por las dos metas que cumple en Coraline, primero por escribir la adaptación basada en la novela de Neil Gaiman, que juega un papel casi protagonista en la producción y segundo por dirigir esta novedosa producción animada stop-motion rodada en 3D y alta definición de manera tan cuidadosa, detallista y notable. Lo relevante en esta película es que Henry Selick se aleja lo suficiente de lo que fue "Pesadilla antes de navidad”, y propone nuevas técnicas y una nueva estética para un argumento que demanda esta clase de tratamiento novedoso. Coraline no es tan burtoniana, pero si es oscura y seguramente conseguirá la aceptación de los fanáticos que esperan algo parecido al mundo de Jack Skellington. Coraline es una prodigiosa fábula kafkiana con tintes de Lewis Carroll que disfruta de la suficiente originalidad y eficacia constructiva como para parecernos totalmente novedosa y fascinante.



La historia sigue a la joven Coraline, una niña de once años que se acaba de mudar con sus padres a un caserón viejo apartado de la ciudad. Con su familia centrada en obtener una seguridad económica, Coraline se siente desplazada, llegando a descubrir un mundo paralelo dentro de su propia casa donde sus anhelos se ven aliviados, dando así inicio a una aventura vibrante y en todo momento espectacular en la que no todo es lo que parece y la fantasía es tan bonita y maravillosa como irreal y cruel.

La animación stop-motion siempre estuvo en el pensamiento del director, aunque él y Bill Mechanic consideraron la posibilidad de la animación digital e incluso usar actores de carne y hueso. Pero Henry Selick decidió que “era la historia perfecta para la animación stop-motion”. El proceso de animación stop-motion es muy especializado. Los animadores manipulan fotograma a fotograma los objetos (personajes, atrezo, decorados, etcétera) en una plataforma de trabajo. Se fotografía cada fotograma para la cámara de cine. Cuando se ensamblan y proyectan las miles y miles de fotografías, los personajes se mueven con fluidez y continuidad. Es magia cinematográfica hecha a mano. Filmar una película de animación stop-motion tiene muchos parecidos con un rodaje convencional: hay que construir decorados; se debe peinar a los personajes, maquillarlos, vestirlos, iluminarlos... y dirigirlos.

El libro que adapta la película ha servido de inspiración para un cortometraje realizado por tres cineastas italianos; un espectáculo de marionetas de una compañía irlandesa; una obra de teatro de una joven compañía sueca; una novela gráfica de tapa dura, y un musical off Broadway que se estrenará en la primavera de 2009. 18 meses antes de que el libro de Neil Gaiman se publicase (en 2002) éste ordenó a su agente que le mandará una copia a Henry Selick, del que podía decirse que era admirador. Al cabo de una semana Selick quería hacer la película.

No es Disney, no es Pixar. Esto es algo mucho más oscuro...mucho más. (3)

Capitán América de Roger Stern y John Byrne

Después de los altibajos que sufrió la colección del Capitán América Stern y Byrne relanzaron la colección a finales de los 70. Todo buen relanzamiento parte de una base, hay que saber de dónde se viene para ver por dónde podemos ir. ¿No? Esto lo tenían muy claro Stern y Byrne, por eso la primera historia o saga de esta etapa se centra en los recuerdos de Steve Rogers. Esta saga está llena de detalles del pasado de Steve, como el uso de su escudo original, el cual deja paso al nuevo al quedar abollado e inservible, es un reflejo del antiguo Capitán América y de la renovación inminente, hay que recordar de dónde viene y tenerlo claro, pero como habitualmente se dice: renovarse o morir. En esta saga aparece también Bernie Rosenthal, una mujer que será de bastante importancia en el devenir de la colección. Posteriormente llega un número mítico de esta etapa, ¿Puede ser el Capitán América presidente de los EEUU? Es un cómic atractivo, de elevado contenido moral/político y que nos deja claro que tipo de persona es el Capitán América y cuál es su puesto en la sociedad. Un cómic histórico, curioso y muy recomendable. Tras este apoteósico comienzo debe venir la regularidad en la serie, para ello se nos presenta una nueva saga, con dos carismáticos villanos como protagonistas Mr.Hyde, uno de mis personajes de literatura clásica preferidos, y Batroc, el cual desconocido para mí, me pareció bastante simpática su inclusión en el cómic ya que le aporta el contrapunto perfecto a Mr. Hyde: Débil y parlanchín en comparación con su asociado.

Después nos llegan 44 páginas de pura emoción y fluidez narrativa, una historia que transportará al Capitán América hasta la vieja Europa. Unos misteriosos asesinatos, que me recordaron a los crímenes de Jack el destripador por la ambientación, hacen que el Capitán América se enfrente a un gran villano de su pasado, el cual al igual que Mr. Hyde tiene gran trasfondo literario. La mejor saga de esta grandiosa etapa, mezclando pasado con presente y aventura a raudales. La única pega es el poco misterio que tiene saber quién es el asesino, yo lo supe a la primera... :p Como es característico de esta etapa se recuperan antiguos personajes importantes para el capitán América como Spitfire o Lord Falsworth.

Finalmente en el ultimo numero de esta etapa se nos cuenta la historia de Steve Rogers desde su dura infancia hasta sus primeras batallas en la guerra, está bien contado, es bastante ameno y puede suponer un interés, a mí me canso un poco esta ultima historia, siempre se empeñan en repetir los orígenes de los personajes… no la leí con muchas ganas la verdad. Pena que esta etapa se acabará gracias a las estupideces decisiones editoriales de Jim Shooter. Gracias Jim, por todos los maravillosos trabajos que nos dejaste disfrutar, pero como director editorial hubo decisiones realmente nefastas. La verdad, una pena. Así todo en conjunto es una etapa muy buena, un relanzamiento del personaje muy bueno con dos sagas trepidantes y números individuales de gran importancia. Por la edición, por ser un clásico y lo entretenida e importante que es la califico de must have!

La muerte de Superman

La década de los noventa fue una década tormentosa para el mundo del cómic ya que la calidad de los guiones era pésima generalmente y las editoriales sacaban sagas e inventos varios con el único objetivo de vender y vender. Un claro ejemplo fue La Muerte de Superman.

Y es que la Muerte de Superman, tal y como reconocen sus propios editores y guionistas, surgió para eso, para vender. Poco antes les habían betado a los editores de los títulos de Superman la boda entre Clark y Lois que tenían pensada por la inminente aparición de la nueva serie televisiva de Lois y Clark por lo que los equipos creativos de las cuatro series que tenía el Hombre de Acero en ese momento decirieron que la muerte del Último hijo de Kriptón era una buena solución. Acertaron, ya que se convirtió en uno de los cómics más vendidos de la historia y la muerte del entrañable Kent apareció en televisiones y demás medios de comunicación. Pero, ¿es la Muerte de Superman un buen cómic?Pues no demasiado.Para matar a un personaje tan célebre y mediático como Superman no vale cualquier cosa, pero los encargados de crear La Muerte de Superman no se escurrieron mucho la cabeza. Una increíble criatura, Doomsday, se liberaba sus ataduras y sin razocinio alguno empezaba a destruir todo lo que le salía al paso, ( ¿no os suena al lado maléfico de cierto científico de Marvel?) sin que nadie, ni siquiera la Liga de la Justicia pudiera hacer nada. El único que le puede hacer frente, y a duras penas, es Superman. Tras una larga pelea Superman logra derrotar a Doomsday pero él muere al conseguirlo. Con estos acontecimientos acaba La Muerte de Superman , primera de las sagas que recoje el omnibus de extraordinarias proporciones que ha publicado la editorial Planeta con el mismo nombre. Se podría haber jugado más con un hecho tan importante, pero por lo menos es entretenido y tenemos la posibilidad de ver largas batallas.

Tras La Muerte de Superman la recopilación de Planeta nos ofrece la saga Funeral por un amigo que para mi juicio es la mejor de todas las que constituyen el tomo de la muerte del Hombre de Acero. En ella se nos muestran las reacciones del mundo ante la pérdida de su protector. El funeral, con una imagen a doble cara con todos los superhéroes formando el cortejo fúnebre junto al cadáver de Superman, cuyas caras expresan una tristeza increíble tiene unos grandes ausentes: los padres de Clark. Ante la identidad secreta que mantenía Superman, cuando murió Superman tuvieron que fingir que habá desaparecido durante el combate contra Doomsday para no levantar sospechas y ahora tenían que observar el funeral de su propio hijo desde casa, abrazados ante un mar de lágrimas y de desesperación. La novia de Clark, Lois Lane, tambien reacciona tristemente ante la muerte de su amado, como es comprensible. Estos números del tomo son los que más carga emocional y psicológica tienen, por lo que son los que mejor muestra nos pueden dar de la reacción de un mundo entero ante la pérdida de su salvador. Una pena que la edición de Planeta solo recoja extractos de esta saga y no esté íntegra.

Para cerrar el tomo se recoge en el tomo la saga El Reinado de los Superhombres con la cual se cierra la trama sobre la muerte de Superman. Despues de la muerte de Clark, 4 nuevos Supermanes han aparecido en Metrópolis. ¿ Quién será el verdadero Superman? ¿ Será uno de ellos? Lo que sí os digo es que uno de ellos es un traidor y de que solo un hombre puede atraparlo, un hombre que se supone muerto. Esta última parte del tomo es muy larga, y yo creo que le sobran parias decenas de páginas, además que se enrolla un poco en temas banales.

Mi valoración global de la obra es aceptable. Se podría haber hecho una historia mucho más interesante si los guionistas no hubieran estado únicamente preocupados de quitarse problemas de la quijotera. Aún así es un cómic estupendamente dibujado, en general bastante entretenido pese a su extensión y cuyo mayor reclamo es el momento que representa. No espereis encontraros un gran tebeo, pero sí un gran acontecimiento en el mundo del cómic. Por cierto, la edicion impecable.

Batman: Año 100 de Paul Pope

Bueno, hoy comento este buen trabajo del "joven" Paul Pope, que tras asombrarnos a todos con su maravilloso "El compañero adolescente del héroe" recopilada en el nº 3 de la colección Solo, nos trae un cómic distinto, pero que está lleno de virtudes y defectos.

Cien años después de su primera aparición, Batman sigue cabalgando por Gotham. Se las ha arreglado para sobrevivir todos estos años, no sabemos si su traje ha cambiado de huésped o sigue siendo Bruce Wayne ( al final del tomo se descubre). Pero su ciudad ya no es lo que era, es un estado autoritario y policial próximo a la dictadura. Un simple asesinato por el que persiguen a batman nos llevará a algo mucho, mucho mayor. Este es más o menos el argumento. La verdad es que estoy de acuerdo con varias reseñas que he leído por la web en que el argumento no es demasiado originala hemos visto muchas veces universos futuribles o a Batman luchando contra conspiraciones del gobierno, pero Paul Pope tiene la virtud de crear interés en el lector, lo que hace que a pesar de que el argumento del cómic no sea muy original, sí es distinta la forma de contarlo, con un ritmo marcado pero a la vez dinámico y con una importancia de Batman casi total.

Como aspectos negativos hay que destacar alguno, además de la pequeña falta de originalidad en el guión. Primero, el poco adentramiento en los personajes, mostrándosenos siempre muy distantes del lector, en especial Batman. Segundo, el dejar varios dilemas abiertos sin ninguna explicación, y el tercero un final algo atropellado.

En cuanto el dibujo... pues según gustos. A mí me gusta bastante el Batman de Pope, un Batman caucásico, menos héroe, que no se parece nada al impoluto Caballero Oscuro de otros dibujantes a los que estamos acostumbrados . Las peleas son muy espectaculares, tanto que en ocasiones se hacen algo confusas.

El tomo también contiene la historia Batman de Berlín , la cual, publicada originalmente en Batman Chronicles #11 y dibujada y guionizada por Pope, nos presenta a un batman judío en pleno esplendor nazi, 1939, el año de la primera aparición de Batman. Aunque la historia no tenga demasiada "chicha", no está mal como complemento a este año cien.

En definitiva, este es un buen cómic, pero ninguna obra maestra. Además es un tipo de cómic que no le va a gustar a todo el mundo. Lo recomiendo a todo el amante del cómic que está un poco cansado del enfoque de los autores en el cómic de hoy en día y busquen algo distinto. Los que no... pues teneis muchos tebeos que escoger antes que este.

"La leyenda del indomable" de Stuart Rosenberg

Una voz, una mirada. Una interpretación, un sueño. "La leyenda del indomable", que es sin lugar a dudas la mejor película de Stuart Rosenberg, y curiosamente también su primera película en solitario, ya que había realizado trabajos televisivos además de realizar un film olvidable junto a Burt Balaban, se encuentra asentada en torno a dos interpretaciones prodigiosas: la de Paul Newman, que sería nominado al Oscar y que volvería a trabajar con Rosenberg en las menos notables "Los indeseables" y "Con el agua al cuello"; y en la no menos brillante actuación de George Kennedy, quien obtuvo el Oscar al mejor actor secundario en el año 1967. En la que para mí es quizá la segunda película en cuanto a calidad de este cineasta neoyorquino recientemente fallecido, "Brubaker", Rosenberg volvería a adentrarse otra vez en un drama carcelario, esta vez de la mano del gran Robert Redford.

La película está basada en la novela "Cool Hand Luke" (1965) de Donn Pearce (el cual estuvo dos años realizando trabajos forzados), nombre que también tomó la película en Estados Unidas y cuya traducción al castellano resulta bastante acertada. Luke Jackson (Paul Newman), es un cuarentón que se ve condenado a dos años de trabajos forzados por destrozar varios parquímetros durante una borrachera. Luke es un tipo terco y astuto, y poco a poco se va granjeando la amistad de sus compañeros mientras busca la forma de zafarse de los trabajos forzados y de escaparse de la férrea vigilancia a la que le tienen sometido. Ateo, inconformista, e incluso subversivo, Luke ha escapado de una sociedad donde no encuentra su lugar, tras la guerra en la que él mismo fue condecorado, para meterse en un lugar donde las siegas, los asfaltados, y otros muchos trabajos se repiten interminablemente entre un ambiente de cosificación que reprime al protagonista.

En este trasfondo de desasosiego, Luke Jackson nos regala el primer momento inolvidable de la película y de la historia del cine. En una demostración de su terquedad y de su determinación, personalidad que está fuertemente marcada en el film, realiza una apuesta con sus compañeros de presidio sureño en la que él debía comerse 50 huevo en una hora. Se trata de una escena imborrable que le valió a Paul Newman un buen cólico.

Otro momento que ha hecho a este film una película para el recuerdo es esa sexy aparición de Joy Harmon que fue descubierta años antes por Groucho Marx, una rubia explosiva que surge como de la nada mientras los condenados se encuentran segando entre un calor sofocante para subir la temperatura aún más con su forma de lavar su automóvil. Sus sensuales movimientos y su habilidad en el uso del jabón y la manguera llegarían a inspirar a innumerables spots televisivos, series de televisión y anuncios, además de ser uno de los momentos más tórridos de la historia del cine.

En definitiva, estamos ante una maravillosa historia sobre la condición humana al nivel de películas como "Papillon" en la que Newman realiza una de las grandes interpretaciones de su carrera acompañado de un secundario de lujo, en una historia amable y entretenida que denuncia el abuso de poder y el despotismo de los mandos carcelarios y que está llena de momentos inolvidables. “Dale un buen guión a un actor y será capaz de mover el mundo” dijo Newman cuando proclamó que “La Leyenda del Indomable” era uno de los mejores guiones que había leído en mucho tiempo. Muy recomendable (3+)

Detectivo Marciano de Ostrander y Mandrake

Los cómics en los noventa atravesaron un duro bache. La crisis parece que se agudizó en DC, donde los guiones bajaban y bajaban de nivel y se mataba a Superman, se lisiaba a Batman y se le sustituía por Azrael; se publicaban continuamente sagas sin mucho sentido. Pero a pesar de esta decadencia en el nivel de las historias se hicieron algunas muy buenas. Buena parte del mérito en que esto se produjese es para el guionista John Ostrander y para el dibujante Tom Mandrake. A principios de los noventa ya habían revolucionado a El Espectro con una larga etapa de sesenta y tantos numeros en la que por primera vez se supo sacar jugo a un personaje tanpsicológico y oscuro como El Espectro en una serie regular. Y si fueron capaces de hacerlo una vez, porqué no dos.

Siguiendo ese lógico razonamiento, los dirigentes de DC decidieron revitalizar al único personaje de la JLA que por aquel entonces no tenía serie regular: el Detective Marciano. Para ello pusieron a la pareja creativa que había llevado a la grandeza al Espectro y fue una buena elección, desde luego.

Fue la primera serie regular del Detective Marciano y su protagonismo en el Universo DC en solitario había sido prácticamente nulo, limitándose a sus apariciones en la JLA. Ello dejaba mucho margen a Ostrander para adentrarse muy mucho en muchos aspectos del pasado y de la vida en La Tierra de J'onn J'onzz, el cual lo aprovecho durante toda su etapa, dejando el hilo argumental en un segundo plano. Al igual que Superman es el único superviviente de su planeta (nuestro Marte), pero el había convivido con ellos , y quería a mucha de la gente que pereció por culpa de su hermano. La lucha contra él, contra su némesis, será el principal hilo conductor de la trama, pero, como ya he dicho antes, está en un segundo plano.

Además de tener cierto parecido con Superman, tambien lo tiene con El Espectro. Los dos buscan hacer justicia, su justicia. Esto les lleva a cometer los mismos actos que los que condenan. El Espectro tenía a su personalidad humana para frenarle, Jim corrigan. Pero el Detective Marcianono, es un ser solitario, cuya única compañía que le queda es la JLA y que tiende a obtener la verdad de una manera poco honrosa, por la que ha juzgado a otros en otras ocasiones. Pese a su fuerza y sus innumerables y sorprendentes poderes el Detective Marciano es débil en ese sentido. Todo esto lo hace un cómic sobresaliente, que, aunque no llegue al nivel del Espetro no le sigue demasiado a la zaga, y el que Mandrake hace un estupendo trabajo como nos tiene acostumbrados. Totalmente recomendable, además por 40 euros tienes toda la serie más especiales. Un must have!

Daredevil: Yellow de Jeph Loeb y Tim Sale

La pareja formada por Jeph Loeb y Tim Sale es, sin duda, una de las más prolíficas del mundo del cómic. Muchas obras han escrito, y de gran calidad. Quizá, las dos más reconocidas sean Batman: El Largo Halloween y Batman: Victoria Oscura, pero el cómic que nos ocupa hoy, Daredevil Yellow, es sin duda un cómic sobresaliente.

Jeph Loeb nos presenta Daredevil: Yellow como un año uno del personaje, adentrándose sobre todo en el comienzo, pero tambien en toda la trayectoria de Daredevil como superhéroe homenajeando sus primeros pasos. Y es que éste cómic es un gran homenaje a los primeros pasos de Daredevil, cómo no se iba a llamar el cómic Daredevil Yellow, en clara alusión al color del traje de Daredevil en sus primeras apariciones. Un homenaje tambien a las dos personas más importantes en la vida de Matt: su padre, el boxeador Batallador Jack Murdock; y su eterno amor, Karen Page.

La serie, que consta de seis números, comienza fuerte. En el primer número se vuelve a narrar el origen del Hombre sin Miedo de una manera desgarradora y genial. Cómo olvidar esas últimas páginas en las que Matt, encoraginado, se enfunda el traje con el que luchará por seguir los pasos de su padre, los pasos de un luchador.

El segundo número sigue recogiendo los momentos más simbólicos de la vida de Matt Murdock como superhéroe. En este caso contemplaremos la venganza de Daredevil contra el asesino de su padre y el primer y recordadísimo encuentro entre Matt y Karen.

Con el tercer número empiezan las andanzas de Matt como abogado junto a su compañero Foggy Nelson y su secretaria, solo secretaria en ese momento, Karen. Como curiosidad tambien acudimos a una increíblemente rápida partida de pool jugada por nuestro protagonista invidente.

Al sobrepasar el ecuador de la historia con el cuarto número, asistimos a la batalla maravillosamente realizada por Tim Sale entre Daredevil y Electro. También en este número Karen nos empieza a mostrar si se decanta por el cariñoso y adorable Matt, o por el en ocasiones gruñón y malhumorado Foggy en una anecdótica partida de bolos. Decisión fácil, ¿verdad?

El quinto episodio es seguramente el más emotivo de todos, donde la lucha, el coraje y la superación por salvar a su amor afloran en Matt hasta el punto de llegar a arriesgar su propia vida. También se nos revela la decisión final de Karen con respecto a sus pretendientes en una última página acojonante.

Y llegado el último número, el sexto, se cierra la saga de una manera brillante como solo estos dos autores podían hacer, con una gran batalla final contra el hombre púrpura. Aquí Loeb nos vuelve a mostrar un uso de cuadros reflexivos excepcional y un nivel narrativo único.

El dibujo es igual de destacable o incluso más, ya que nos encontramos ante uno de los mejores trabajos de Tim Sale. Los planos imposibles, las expresiones faciales, las batallas increíbles... Por favor, no dejéis de observar la ejecución de Slade. ¡Sencillamente espectacular e impactante! Y qué decir de esas maravillosas portadas en las que se combinan imágenes importantes de la vida de Matt con un cielo plasmado con los dibujos más espectaculares de Daredevil. También reconocer al colorista ( Matt Hollingsworth) su increíble labor, que muchas veces pasamos por alto. La edición de Forum ( la cual tengo y me salió como una auténtica ganga) trae como complemento un interesante sketchbook sobre el trabajo de Tim Sale en esta obra. Uno de los mejores cómics que he leído este año y un auténtico must have.

WALL-E, de Andrew Stanton

Siempre me ha hecho gracia la gente tonta. Pero la gente tonta, de una determinada forma de ser. Me refiero a esos personajillos que, además de presumir de sus posesiones y lujos, tiene el poco respeto de presumir de su cultura, aun sin tenerla. Al igual que ellos, también me hace gracia todos esos personajes cuyos prejuicios les impiden abrirse a nuevas cosas, a nuevos mundos que ellos consideran absurdos e infantiles por puro desconocimiento. Un claro ejemplo está en el mundo de los cómics, donde parece que el hecho de ser un fiel seguidor del noveno arte quiere decir leer tebeos de las Witch o de Spiderman pegándose con el Galactus el el duodécimo crossover de la Marvel. Por supuesto que existe un gran catálogo de novelas gráficas lejanas al círculo super-heroico de gran calidad, e incluso dentro de ese círculo hay multitud de cosas altamente recomendables. Por eso me hace gracia que mi profesora de Lengua diga que tenemos que leer libros de más de 100 páginas, y que " no valen ni tebeos ni revistas". Lo que hace la ignorancia. Vamos, que puedes leer "Harry Potter", que es un truño, y no "V de Vendetta" o "El Principito". Ocurre algo similar en la gente que, pobre de ella, se niega a ver películas de Disney argumentando, ya a priori, que son una mierda para chiquillos sin cerebro. Y lo que es una mierda son películas como "G.I Joe" o "Mentiras y Gordas". La películas que está haciendo Disney junto con Pixar en la actualidad no son cosa de críos. Son películas para gente con criterio.

El hecho de que el 24 de enero de 2006 Pixar Animation Studios pasara a ser subsidiaria de Disney, al pagar ésta 7.400 millones de euros por sus acciones fue algo muy bueno para las dos compañías y el cine a de animación, como quedaría demostrado a la larga.

Pixar se ha convertido en referente mundial en el mercado del cine animado. Tras los "Toy Story", "Buscando a Nemo", "Bichos" y los más actuales "Ratatouille", "WALL-E" y "Up" nadie duda de la capacidad de esta compañía para crear grandes fábulas camufladas en dibujos animados, que mucha gente sigue creyendo que tienes que estar dedicados al público infantil de por sí, pero no es así.

Los primeros minutos de Wall-E son, probablemente, los mejores de la historia de la animación. Sin diálogos y con dos robots como únicos protagonistas, esta aproximadamente media hora de película demuestra una belleza y un sentimentalismo difícil de expresar, siquiera con palabras. Debido a esto más mérito tiene aún la obra de Pixar, donde los pequeños gestos son lo importante y los sentimientos surgen con toda su rabia en los poco convincentes robots. Maravilloso retrato de la soledad del individuo y los pequeños atisbos de socialización. Tras ésto, Wall-E y EVE ( el otro robot) se marchan de la Tierra inerte, descubriendo donde los humanos habitan y la dependencia que tienen ellos de las propias máquinas. Asistimos incluso a una sublevación de las máquinas, de los oprimidos hacia los déspotas. Toda ésta parte tiene guiños claros a "Un mundo feliz" novela de Aldous Huxley. Tras ello la historia se hace más antropocéntrica, con lo que eso conlleva: menos esencia y más tralla en los diálogos.

Wall.E es un clásico prematuro sacado de las bodegas más cuidadosas con el aspecto final del producto, y cuya esencia resulta difícil de replicar. 90 minutos de fábula animada, que hacia la segunda mitad de la película pierde fuelle pero que, aún así, es totalmente recomendable su visionado. (3+)

La Era del Apocalipsis

No soy nada aficionado a los crossovers en general, pero mucho menos a esos que tienes que leer colecciones y colecciones para enterarte siquiera de que va, y afecta en la continuidad del universo superheroico del cómic en cuestión. Ya podréis suponer cómo me "encantan" esta sucesión de crisis que se está montando el Didio. Pero bueno, ese es otro tema, y este no es el momento ni el lugar adecuado para comentarlo, quizá cuando aparezca Final Crisis en España. Es otro tema porque el crossover que nos ocupa supone la antítesis a todo esos tebeos tan comerciales como suelen ser la mayoría de los crossovers, que buscan dar un vuelco al aspecto o a la continuidad del Universo Dc, Marvel, Wildstorm... Y otro aspecto positivo de la Era del Apocalipsis es que, al transcurrir los acontecimientos en un mundo "que no tenía que haber existido" y al no verse afectado el Universo Marvel original de los sucesos que transcurren en esta saga. Esto da la oportunidad de que todos los guionistas que intervinieron en la intervención de este crossover mutante pudieran preguntarse: ¿Y qué hubiera pasado si Charles Xavier hubiera muerto? ¿Cuál sería el futuro de la Patrulla X de no existir él?

La Era del Apocalipsis da respuestas a todas estas preguntas y a muchas más, lo que nos hace disfrutar a todos los amantes de la factoría mutante de situaciones que nunca podríamos haber visto en el Universo Marvel original, debido a su largo historial de continuidad. En el primer tomo de la edición de la extinta Forum se nos presentan todos los ingredientes y los materiales necesarios para llevar a cabo todo el argumento de la obra. Charles Xavier y su hijo Legión viajan al pasado para detener a Magneto, pero Legión se extralimita en sus funciones, y al intentar matar a Magneto, Charles Xavier se tira para evitar la muerte de Magneto con lo que muere él. Al morir Charles Xavier, en pasado, en el mundo del Magneto que habían intentado asesinar, Charles Xavier nunca fundaría la Patrulla-X y Legión nunca podría ser engendrado. La Era del Apocalipsis nos muestra en los 12 tomos, a partir de varias colecciones, cómo Magneto funda la Patrulla-X, sus recuerdos hacia su gran amigo muerto, cómo se organiza la resistencia contra el que ha tomado el control de La Tierra, llamado Apocalipsis, como algunos de los buenos han pasado al otro bando en este particular What if? y, sobre todo, como se intenta, después de descubrir que ese mundo no debería de existir, restablecer el original.

La Era del Apocalipsis fue un buen crossover, además de por el buen planteamiento, por la labor de los autores de las distintas colecciones que la conforman. Parece claro que hubo una gran labor de coordinación entre todos ellos, ya que parece la única forma de que en tantas colecciones en las que intervienen múltiples factores de las otras no aparezcan casi ninguna incoherencia, y que estas no tengan prácticamente importancia.

Pero lo que sí que es imposible de evitar en sagas que abarcan diferentes colecciones y diferentes equipos creativos es que la calidad de los guiones y el dibujo no presente grandes altibajos durante la misma. Este para mí es el gran lastre, ya que aunque la historia en general es buena, hay muchas brozas por el camino. Sobre todo al principio hay alguna historia que... es que es mala, mala, siendo la peor de todas para mí es Universo-X, que curiosamente está al final de la saga. Insoportable. Como buenos cómics destacan los de Nicieza y de Ellis por encima de los demás, habiendo bastantes más a buen nivel, como los de Francis Moore, Loeb, Vaughan. Y pasa tres cuartos de lo mismo con el dibujo, donde destaca por encima de todas la escasa pero magnífica aportación de Chris Bachalo.

En definitiva, La Era del Apocalípsis es uno de los mejores crossovers de la historia, lo que pasa es que los demás para mí son de un nivel muy bajo. Pero no es siquiera un gran cómic. Yo lo consideraría un buen cómic. ¿Por qué? Por los grandísimos altibajos de calidad y porque hay varios números que me sobran. Si hubieran solventado estos, para mí grandes fallos, estaríamos hablando del mejor crossover de la historia y de un gran cómic. Pero como no es el caso...

Wonder Woman de George Pérez

Tras las Crisis, Dc relanzó las series regulares de sus tres pilares (Superman, Batman y Wonder Woman) con lo mejor que tenían. Frank Miller se ocupó de Batman de manera espectacular, John Byrne empezó una etapa en la serie regular de Superman que acabaría siendo memorable. Con la heroína por excelencia no quería quedarse atrás, y eligieron muy bien: George Pérez.

A este artista puertorriqueño que ya había demostrado en múltiples ocasiones que es uno de los mejores dibujantes de la historia del noveno arte en obras como Crisis en Tierras Infinitas o en su etapa junto a Marv Wolfman en los Teen Titans, se le pidió en aquel momento algo más: debía ser también el responsable del guión, además del apartado gráfico del relanzamiento de la Mujer Maravilla.

El bueno de George había colaborado en el guión de los Teen Titans con Wolfman, pero jamás había guionizado un cómic por completo. Dada la responsabilidad de encargarse de su primer guión en el relanzamiento de Wonder Woman, Pérez contó en los dos primeros números con la ayuda de Greg Potter, y en los posteriores con la del siempre correcto Len Wein. A partir del 17, Pérez tomó completo control sobre dibujo y argumento, deleitándonos con una de las grandes etapas de los años ochenta/noventa.

El secreto del éxito de la etapa de este gran artista en Wonder Woman, tal vez radique en que, desde el primer número, y durante toda la etapa, la mitología es el tema predominante en cualquiera de los números correspondientes a la etapa que nos ocupa. Era una tema que estaba estrechamente ligado con Wonder Woman en sus comienzos, pero que poco a poco se estaba desvaneciendo. El gran acierto de George Pérez fue dar total protagonismo a este aspecto, escribiendo historias realmente fantásticas.

Durante esta etapa, Wonder Woman conocerá el mundo de los hombres, lo cual no será fácil. Con una mente "virgen" que solo conocía a las amazonas de "Isla Paraíso", Diana se encontrará con que en el mundo de los hombres hay muchas cosas y muchas gente con lo que jamás había experimentado. Se encontrará con barbarie, consumismo y acoso, pero también con gente buena y amable, descubriendo que el mundo de los hombres y el de las amazonas pueden aprender mucho entre ellos.

Diana se enfrentará a Ares en una larga y cruenta sucesión de batallas, luchará contra Cheetah, contra la peligrosa Cisne Plateado, conocerá por fin a su admirado superman en el Action Comics #600, pero sin suda su aventura más importante será la saga "Desafío de los Dioses", que ocupó los números del 10 al 14 de su etapa y enfrentó a Diana a los más temibles miedos y monstruos que habían conocido las amazonas.

En el dibujo Pérez está a la altura de todas sus obras, demostrando que es el mejor conocedor de la fisionomía humana, y dando muestra de su refinado detallismo y de su habilidad de concentrar personajes y expresiones y situaciones muy dispares en una sola viñeta.

En definitiva, un cómic muy recomendable, y que tal vez se hubiera merecido un formato mejor. Lo que está claro es que esta etapa debe de estar siempre en cualquier tebeoteca que se precie.

¡Qué bello es vivir! de Frank Capra.

Se trata sin duda de una de las películas más hermosas de la historia del cine. Un canto a la esperanza, un puñetazo sobre una mesa cada vez más inclinada hacia el abismo, una reflexión de la vida y de su propio sentido. ¡Qué bello es vivir es la obra maestra de Capra, considerada por cualquier aficionado al cine como una de las mejores películas de la historia. Bueno, nos metemos en contexto. Tras ganar su tercer Oscar en 1938 tanto a la mejor película como al mejor director, Frank Capra ya era un más que reconocido director.

Nacido en una familia humilde, sus inicios en la carrera cinematográfica habían sido como guionista y montador. La verdad es que Frank nunca se encontró cómodo el las grandes productoras hollywoodienses, intentando plasmar en cada una de sus obras el sello personal del director e intentando huir de la producción en masa que, ya en aquellos años 30/40, asolaba a la industria cinematográfica. Buscando una solución a esta situación, Capra fundó, nada más volver de la guerra, y junto a otros tres coroneles, la productora "Liberty Films" en el año 1946. Habiendo vuelto de rodar multitud de documentales durante la Segunda Guerra Mundial, Capra estaba convencido de no volver a rodar una película bélica más y de volver a sus inicios, volver a hacer las películas que tantos éxitos le habían contraído las películas donde retrataba a la sociedad más humilde luchando por vivir lo más dignamente en una sociedad dominada por los grandes propietarios.

Con esa intención en mente, dio la casualidad de que Charles Kernell , jefe de la productora RKO pictures es esos momentos, le propuso una historia basada en el cuento "The Greatest Gift" que su autor, Philip Van Doren Stern había usado para felicitar la navidades a sus más íntimos y cuyos derechos habían sido adquiridos por RKO años antes. En la historia de Stern, un banquero arruinado es salvado del suicidio gracias a la aparición de un ángel que le muestra como hubiera sido el mundo si él no hubiera existido. Cómo sabrán todos los que hayan visto la película, Capra se ciñó a la base del cuento de Stern, rechazando los guiones que habían hecho tres grandes guionistas por alejarse demasiado de la idea original, por lo que contrató a los sustitutos de Robert Riskin, dos guionistas que imprimieron a la versión de Capra el reflejo de la otra América, "el toque de Capra".

Y a dar este "toque" también contribuyeron sin duda el elenco de actores contratados. James Stewart, el gran James Stewart, a quien su magnífica interpretación de George Bailey, el protagonista del film le valió una nominación de los Oscar y que gracias a este trabajo siguió luchando por el estrellato en Hollywood. Y gracias a Dios que siguió. Dona Reed hizo de su perfecta contrapartida, salvando la dificultad de que su personaje variaba unos cuarenta años de edad de principio a fin. Completaba el reparto, entre otros, Lionel Barrymore, miembro de la familia de los Barrymore tan explotada a lo largo de los años por Hollywood.

A grandes rasgos el argumento se podría resumir así: Es un día nevado de Navidad en la pequeña aldea de Betford Falls, y George Bailey está dispuesto a suicidarse para cobrar el seguro de vida que pueda salvar su banco y a su familia. Sordo de un oído por salvar a su hermano de ahogarse, George ha dado todo por los demás desde su más tierna infancia. Tras la muerte de su padre tuvo que controlar el banco de su padre y salvarlo del control del señor Potter, amo de la ciudad. Un descuido hizo que Bailey no pudiera pagar tras perder el dinero y al no poder enfrentarse al pago decide que lo mejor es suicidarse, cobrando el seguro su familia antes mencionado. Pero cuando estaba dispuesto a hacerlo un ángel le salva y le muestra que no muere vivir, que su vida no ha podido dejar de tener sentido para él cuando la vida de los demás no hubiera tenido sentido sin él. Le muestra cómo hubiera sido el mundo sin él. Y lo que ve hace cambiar de opinión. Al volver a su casa real, descubre que no todo estaba perdido como había creído, y que había otra alternativa a la opción que había tomado antes: la generosidad de los vecinos. Todos a los que había ayudado se habían unido ahora para salvarle de la ruina, ayudando económicamente. George Bailey seguiría viviendo y ayudando a todo el que pudiera.

Una historia bonita, ¿verdad?. Pues por supuesto que lo es, es sencillamente maravillosa. Pero una de las historias más peculiares en torno a ésta película es sus derechos. En 1946, cuando la película fue rodada, los derechos de autor se mantenían durante 28 años. Los derechos, que fueron adquiridos por la Paramount primero y a la NTA después no fueron renovados debido a un descuido en el año 1974, cuando el copyright expiraba. Ésto permitió la libre difusión de la película en televisión permitiendo que "¡Qué bello es vivir" se convirtiera en un icono navideño que pudimos disfrutar prácticamente casa año en televisión .

A pesar de su indudable calidad y de su éxito tanto de crítica como de público, "¡Qué bello es vivir" se convirtió en la tumba de Liberty Films. Los elevados costes de producción del film, casi tres millones de dólares, hicieron que no se pudiera recuperar lo invertido causando unas pérdidas de 525.000 dólares el primer año. Los cuatro creadores no pudieron afrontar los pagos, pero a ellos no se les apareció un ángel como a George Bailey. Tuvieron que vender la compañía a la Paramount.

Una obra maestra de obligado visionado . Tenéis una gran suerte si todavía no habéis descubierto a Capra que no podéis desaprovechar. (5)

La ciudad de los prodigios, de Eduardo Mendoza.

Para hablar de "La ciudad de los prodigios" hay que hablar de una de las mejores novelas españolas del siglo XX. La obra maestra de Mendoza pretendía en principio abarcar desde principios del siglo XIX hasta el estallido de la Guerra Civil española en 1936, pero al resultar demasiado amplio quedó finalmente limitado al periodo de tiempo comprendido entre las dos exposiciones universales de 1888 y 1929 en la ciudad de Barcelona. Y es que sin duda esta novela se convierte a cada página que hojeas en un retrato de la sociedad barcelonesa durante medio siglo. ¿Pero qué la hace tan especial? Pues que la mezcla de ficción y de realidad, de testimonio e imaginación te arraigan a sus páginas inevitablemente.

Onofre Bouvila, el protagonista de la novela, llega a Barcelona en plenos preparativos de la Exposición Universal que iba a tener lugar en la ciudad catalana a finales del siglo XIX. El joven, de origen humilde y alejado de la urbanidad, se establece en una pequeña pensión y se empieza a buscar la vida para subsistir, pagar su asilo y, en fin, progresar. Empezando por repartir folletos anarquistas al proletario que trabajaba en torno a la Exposición, Onofre irá progresando, al principio lentamente, pero luego vertiginosamente hasta convertirse en uno de los hombre no sólo más poderosos de Barcelona, sino también de toda España. A éste ascenso contribuirá el carácter sin escrúpulos y astuto del protagonista, además de la relación que Onofre tendrá a lo largo de la novela con tres mujeres.

Y es que ya le avisa una pitonisa de la pensión en la que se hospedaba al principio del relato. Tres mujeres se cruzarán en tu vida. Una te hará rico, otra te encumbrará y otra te hará feliz. Y así se hizo. A lo largo del transcurso de la novela, Onofre madura. Se encuentra muchas personas que al darles un trato semipreferencial le servirán de parapeto en futuras situaciones. En estos fragmentos la novela está llena de intensidad. Asesinatos, trampas, amores y desamores llenan sus páginas a través de unos personajes que mezclan lo real con lo irreal, lo trascendental con lo irrelevante, lo apasionante con lo meramente histórico.

Todo esto hace que " La ciudad de los prodigios" sea maravillosa. No importa cómo te tomes su lectura, siempre quedarás satisfecho. Se trata de la versión novelada (lógicamente con ciertas licencias) de la vida de un hombre, de la vida de una ciudad. Adentraros en la ciudad de los prodigios, no os decepcionará. (4)

Drácula, de Tom Browning

En los oscuros años en los que Carl Laemmle fundó Universal Pictures en 1915 el cine está en sus inicios. Numerosas compañías cinematográficas surgieron en esos años, dando a lugar a todo tipo de películas. Desde que en el año anteriormente citado Carl Laemmle contó con pleno poder para desarrollar sus propias películas, uno de sus proyectos más ansiados se trataba de adaptar la novela de Bram Stoker, "Drácula", quien había muerto tres años antes. La cuestión es que por diversos temas, la realización del deseo de Carl se retrasó varios años, saliendo a la luz otras versiones. Una película húngara, actualmente perdida, titulada ''La muerte de Drácula'' fue la primera alusión al personaje. El caso es que en ésta película muda Drácula no se nos es presentado como en la novela de Stoker sino que Drácula es un profesor de música que se ha vuelto loco y que persigue a los pacientes de un manicomio. Al año siguiente sí que entró en escena, nunca mejor dicho, las películas vampíricas, la película alemana ''Nosferatu el vampiro''.

Con estos dos antecedente, en 1931 Universal Pictures por fin lanzó su versión de "Drácula". Esta primera versión sonora no se basaba directamente en la novela de Stoker, sino en la versión teatral de Hamilton Deane y John L. Balderstone, lo que repercute negativamente en el filme. En un principio se pensó en Lon Chaney ,el famoso actor de cine mudo conocido artísticamente como el hombre de las mil caras, para encarnar al conde Drácula pero Chaney murió en 1930. Entonces Bela Lugosi, un inmigrante húngaro que ya había interpretado al conde en Broadway fue quien se llevó el papel. Éste actor es quizá el punto principal que haga que ésta película tenga tantos aspectos alardeables como reprochables.

El visionado de ésta película en la actualidad hace que salgan a relucir los muchísimos fallos que tiene la obra durante sus 78 minutos de duración. Abundan las escenas inconexas, las muchas escenas que quedan sin explicar, la baja tensión de la mayoría de escenas que vistas ahora junto a los gestos desmesurados de Lugosi, la lentitud y esa mirada más lúcida que inquietante hacen que la actuación de Lugosi sea más sonrojante que terrorífica. El caso que ésta extraña actuación le ha valido la fama a la película, así como el inglés fonético de Lugosi, el cual no sabía inglés y se aprendió las frases fonéticamente, con lo cual no sabía lo que decía, han hecho de ésta versión la que muchos consideran el mejor Drácula de la historia del cine, aunque a mí me gustó más la versión que dirigió Terence Fisher en 1958.Tampoco se puede decir que la popularidad de la película sea ni mucho menos inmerecida. La estupenda fotografía de Karl Freund además de los decorados y la memorable actuación de Dwight Frye (como Renfield) hacen de ésta película un filme digno de ver. Disminuyendo de intensidad y de carácter os esperan 78 minutos de desasosiego animado. (2+)

"Slumdog Millionaire" de Danny Boyle.

Me acerqué a esta película de casualidad, como en tantas y tantas ocasiones. Es verdad que mentiría si os digo que acudía a mi cita con el cine sin ningún tipo de información e ideas sobre esta película. No podía ser de otra forma: 8 Óscars incluido el de mejor película, 10 nominaciones a los mismos, ganadora de 4 globos de oro, 7 Baftas y un premio del sindicato de actores, el tema de los niños, y, como no, diferentes opiniones que necesariamente te deben de llegar cuando ves una película meses después de su estreno. El nombre de la película ya es de hecho terriblemente significativo. Literalmente "perro callejero millonario", el título hace una clara referencia al que a priori, se puede pensar que es el tema central de la trama: la conversión de la más auténtica pobreza a la riqueza, dentro del marco de desigualdades atroces que ofrece la India. Quizá se pueda pensar eso en un principio, pero al terminar el film el criterio se apodera del espectador y ve demasiados intentos fallidos, demasiados afluentes que no culminan en nada y demasiadas flores al árbol.

Me explico. El planteamiento de la película es bien sencillo, además de, por qué no decirlo, ciertamente original y novedoso. La narración, que va dando saltos intermitentes para ir conectando cabos ya de por sí bastante anexos empieza por la mitad de la trama. Jamal Malik es un joven que se ve rodeado, que se ve coaccionado y maltratado. No le creen. No pueden creer que un niño que viajaba sobre el techo de los trenes, vendiendo mercancías, robando y estafando a los turistas ingenuos, sobreviviendo como buenamente podía esté ahora, años después, a punto de ganar veinte millones de rupias, las cual ganaría al día siguiente si contestaba correctamente a la última pregunta. No podía ser, tiene que haber estado haciendo trampas. Para descubrirlo proceden a su interrogatorio, le preguntan cómo es posible que supiera ésas respuestas.

Para descubrir éste dilema, la película salta a otro tiempo, salta a la infancia de Jamal, gracias a la cual, y a la par de las primeras preguntas que contestó Jamal y la preguntas del interrogatorio, descubriremos no sólo la infancia del protagonista y por qué dio estas respuestas, sino que hallaremos un compendio de truculentas historias, mezclando el amor con el odio, las imágenes más escabrosas con los bailes más bollywoodense. En esta sección de la película se juntan los grandes halagos y las grandes críticas que un servidor puede hacer a ésta película. Porque "Slumdog Millionaire" no es para mí esa obra maestra que otros pintan.

Lo cierto es que ésta película no tiene grandes cosas que elogiar. Seguramente el gran elogio que habría que hacerle a éste film es que tanto la ornamentación, música, maquillaje, elenco de actores, diseño un nivel más que aceptable, pudiendo incluso decir que es bueno. Entonces, ¿qué tengo que reprochar a esta película? Pues no es otra cosa que da la sensación de que Boyle ha intentado hacer una película documentativa de una situación, un país y una sociedad, a la vez que fulmina y deleita con ciertas escenas y ciertas actitudes de pura taquilla. A mí la verdad es que no me gusta ése tipo de cine, que aparenta falso victimismo siendo puro descaro. Que busca el llanto fácil y la falsa ternura. En ocasiones ésta búsqueda de lo notorio hace excesivamente largas algunas escenas. Pero esta es una película de Hollywood, no hay que olvidar que es un documental. Al final queda una buena película que te hace pasar un rato agradable, pero que ciertas situaciones y pequeños detalles no permiten disfrutar de la obra como a uno le hubiera gustado. Ligeramente sobrevalorada, se trata de una buena opción si quieres ver una película sin exceso de pretensiones. (3)

Préliminaires, una puta maravilla.

"Después de 62 años aberrando a varias generaciones con sus insuperables excentricidades, sus alaridos incandescentes y su vis de gárgola espasmódica, Iggy Pop ha sobrevivido a sí mismo fibroso como La Iguana que siempre fue y, no menos importante, con una pelambre que es la envidia de sus coetáneos. Pero, sorpresa, el Padrino del Punk sienta la cabeza en su nuevo disco, 'Préliminaires'. Inspirado por el escritor Michel Houllebecq, Iggy se mete en la piel de un 'crooner' tenebroso, canta en francés, se acompaña por un grupo de jazz de Nueva Orleáns ('King Of The Dogs') y hasta adapta clásicos de la bossa nova ('How Insensitive') y la chanson ('Les feuilles mortes'). ¡Mon Dieu!"Ésta es la presentación que hace Pablo Gil en la web de El Mundo del nuevo disco de Iggy Pop, donde también se puede escuchar el disco íntegro. Y la verdad es que tiene toda la razón, después de hacer durante décadas música punk, "La Iguana" ha sorprendido a propios y extraños con un concepto completamente nuevo en su carrera musical, cambiando de registro radicalmente. Hoy mismo sale el disco, podéis escucharlo aquí. Por mi parte será una compra segura, despues de años de haber escuchado a Iggy Pop sin terminarme de gustar, es precisamente ahora cuando me rindo a sus pies.